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Art abstrait

  • Les superpositions de Peter Perazio

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    Les superpositions de Peter Perazio

    À la frontière entre photo, art numérique et body art, Peter Perazio intrigue. Son travail consiste à faire des séances de photographie avec un modèle puis d‘utiliser les photos qui en résultent pour créer une scène. À l‘aide de photoshop, il reprend des portions de l‘image de son modèle, change forme, couleur, angle et opacité et crée de sublimes compositions.

    Ses thèmes traitent de légendes, mythes mais aussi d‘histoire. On peut voir à la galerie Art&Miss des tableaux sur St Michel terrassant le dragon, une représentation très intéressante de Marilyn Monroe ou encore un démon rouge comme la braise. Ces aspects culturels sont très référencés par certaines similarités. Le “St Michel et le dragon“ reprend plusieurs codes de l‘art religieux comme la pause rigide du personnage, le manque de perspective de la pièce et les épées croisées qui flottent au dessus de la scène.

    „NormaJean“, qui était le nom de Marilyn Monroe a tous les codes d‘un portrait en gros plan et „la mort de Cléopatre“ fait beaucoup penser à des poses des Aphrodites de la renaissance.

    Les superpositions de Peter Perazio

    Si l‘on regarde bien, on a beaucoup de mal à trouver avec certitude quelque chose dans la composition qui ne soit pas une partie d‘un corps ou accessoire. Cela donne un aspect intéressant quand on se rend compte que St Michel est crée avec le même modèle que le dragon. Cela donne une impression de lutte interne qui correspond très bien au thème de l‘exposition: „Corps et âmes“.

    Les superpositions de Peter Perazio

     

    Peter Perazio arrive à exprimer quelque chose sur les âmes de ses modèles en n‘utilisant que leurs corps et cela montre qu‘il a atteint un but qui motive plus d‘un artiste.

    Ses tableaux sont en vente ici: http://art-et-miss.eu/recherche?controller=search&orderby=position&orderway=desc&search_query=Perazio&submit_search=

     

    Profitez des derniers jours où nous exposons ces oeuvres pour passer à la galerie.

     

    Simon Ingrand

  • Spectra- Queer Skulls de Cdric-Moasa

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    Quand on regarde cette photographie, la première chose à laquelle on pense c‘est: Día de Muertos. Les crânes décorés de fleurs sont en effet très courants dans ce festival mexicain qui célèbre les morts de manière très spirituelle. Et ça colle bien car la spiritualité c‘est un thème qui est cher à Cdric-Moasa.

    Entre ses travaux sur les crânes, ceux sur les hybridations et sur prométhée, cet artiste n‘a pas fini de nous parler de mythologies.
    On peut même observer dans le tableau sur fond noir que les crânes noirs ne ressortiraient pas du tout s‘il n‘y avait pas les fleurs. Ces fleurs, nôtre lien à la spiritualité sont donc essentielles ici car sans elles, il faudrait beaucoup d‘efforts pour distinguer le sujet.
    Ce travail évoque une sorte d‘idéal. L‘idéal de l‘égalité. En effet, dans son travail actuel sur les crânes, Cdric-Moasa nous livre des os identiques, impossibles à différencier. Tous sont égaux dans la mort et qui pourrait dire si ce tableau représente le crâne d‘un riche ou d‘un pauvre, d‘une femme ou d‘un homme, d‘un vieux ou d‘un jeune? Cette idée, chère aux natures mortes, on la retrouve chez Claude Nougaro dans sa chanson Armstrong “Armstrong, un jour, tôt ou tard, on n'est que des os...Est ce que les tiens seront noirs ?Ce serait rigolo“.
    Rigolo en effet quand on voit la photo des “Skulls“ noirs.

     

    Le tableau disponible à la vente içi: http://art-et-miss.eu/cdric-moasa/613-spectra-queer-skulls-cdric-moasa.html?search_query=Cdric&results=7

    Et l'exposition aura son finissage le 18 Février à la galerie.

     

    Simon Ingrand

  • Cent titres - Cène synchronistique, de Gilles Chambon

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    Une cène.
    Des apôtres, du vin, une table, du pain.

    Il ne manque qu‘une seule personne à l‘appel. Le christ. Sa place est prise, il est détrôné. Dans ce tableau où se mêlent Vinci et Dali, de Chirico et Picasso, l‘ancien et le moderne, on peut voir l‘histoire de l‘art compressée, comprimée.
    Tout est là. Les grands maitres à penser de Gilles Chambon sont tous réunis pour cette oeuvre de 77 cm sur 200. Nous assistons à une synchronicité de l‘art: Tout se passe en un seul moment.

    On est en droit de penser que c‘est l‘art qui est l‘invité d‘honneur de cette cène. Ça serait l‘art qui stupéfie, émerveille et fait discuter les apôtres comme le faisait le christ de Vinci? Non, il s‘agit plutôt de l‘inspiration.
    Tous ces tableaux, tous ces titres (au nombre de cent!), toutes ces couleurs. Cela n‘est pas un résumé de l‘histoire de l‘art, c‘est l‘endroit où Gilles Chambon puise ses images. Dans l‘esprit d‘un artiste, on peut voir, à l‘endroit où s‘accumulent les images de l‘art, nombre d‘oeuvres qui s‘entassent et s‘empilent au point de se confondre. C‘est là que beaucoup vont chercher leur inspiration. C‘est cela que nous voyons ici.

     

    Cette cène emprunte beaucoup aux artistes qui sont devenus des figures centrales pour créer une nouvelle composition, un renouveau dans un art usé par les regards.

    Et Gilles Chambon prend leur place alors même que “le in voluptas mors“ de Dali détrône le Christ au centre de l‘oeuvre.

    Mais loin d‘être un plagiat, cette oeuvre se rapproche plus de l‘humour. On peut imaginer avec un sourire ce qu‘aurait donné un tableau réalisé à quatre pinceaux par Dali, Picasso, de Chirici et de Vinci. C‘est à cet humour que nous rapporte le titre ou plutôt les “cent titres“ qui viennent moquer l‘art contemporain de n‘avoir aucune signification à donner aux travaux “sans titre“ alors que ce travail là a cent fois montré ce qu‘il signifiait.

    Ne ratez pas le finissage le 18 février.

    Tableau disponible içi: http://art-et-miss.eu/

     

    Simon Ingrand

  • "OVNI" de Yo Xarek WOLTER

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    bleu, OVNI, Wolter, peinture, artiste, abstrait, surréalisteCette peinture a été créée par Yo Xarek Wolter, qui est un artiste surréaliste et abstrait. Ici, il nous montre une œuvre d’art qui est un très bon exemple de son style original : le CD-Art où il regroupe la peinture moderne avec des assemblages intégrant des CD.

    Pour « OVNI » Wolter a utilisé principalement les teintes bleues pour composer le ciel ainsi que l’OVNI au milieu de la peinture qui est un mélange de différentes matières, entre autres des CD.

    La création donne l’impression que l’OVNI flotte sur un paysage blanc avec des menhirs, mais en contemplant plus précisément on s’aperçoit que ce paysage représente des nuages blancs et les menhirs sont des sommets émergeant surplomb du plafond. De loin l’OVNI m’était apparu comme un oiseau abstrait. J’y distingue sa tête de profil avec un petit bec et un grand œil disproportionné représenté par une pierre bleue. Le résultat donne une image d’un OVNI sous la forme d’un oiseau enchanté qui est en train de quitter la Terre pour revenir à son propre monde.

    Les voiles de nuages dans le ciel, l’espace universel et l’OVNI nous font l’effet d’un rêve. La façon dont l’artiste a placé l’OVNI décentré à droite et la manière dont il reprenne les menhirs pour créer des ailes à l’OVNI, semblent très harmonieuses.

    L’artiste est connu pour ses peintures oniriques qui peuvent bien nous transporter dans un autre monde. Je pense que l’ « OVNI » n’est rien d’autre que ça. Il nous invite à plonger dans une contemplation intérieure et à nous évader du monde agité pendant un court instant.

     

    Suang Hoang

     

    Les tableaux de Yo Xarek WOLTER sont exposés à la Galerie Art' et Miss jusqu'au 21 septembre ou disponibles en ligne sur : http://art-top.eu/category.php?id_category=97

     

  • Le diptyque d'Elvio Ricca

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    Elvio Ricca a crée deux tableaux de taille moyenne figuratifs sans être réalistes : « Le doute du choix » et « La conséquence du choix ». C’est un diptyque avec une composition similaire : le vaste ciel qui occupe la majorité de la peinture, les deux boules bleu vif ainsi que les trous blancs dans le ciel, il y a aussi une symétrie entre les deux tableaux. Ricca a utilisé surtout des couleurs sombres ; on a même l’impression qu’elles sont un peu rompues. Il y a cependant quelques surfaces qui sautent aux yeux : les deux boules bleu vif et les deux trous blancs dans le ciel. On a le sentiment que les boules sont tombées du ciel, à l’endroit précis où se trouvent maintenant des trous blancs.

    doute_du_choix_2.jpgLa symétrie de ces peintures, la dynamique et la majesté du ciel m’ont attirée tout de suite. À première vue, on pense que les deux tableaux sont identiques, mais quand on contemple les oeuvres d’art de plus près, on trouve des différences qui les rendent très intéressantes.     

    « Le doute du choix » qui va de manière tout à fait logique avant « La conséquence du choix » montre une fille qui est assise par terre entre les deux boules bleues. Cet arrangement symbolise « le doute du choix » : la fille ne sait pas quel côté choisir.

    Le tableau suivant montre le prochain pas dans le processus décisionnel : « la conséquence du choix ». Ce tableau est même plus captivant que le précédent, parce qu’il nous fait réfléchir. 

    consequence_du_choix.jpgD’un côté il y a un homme qui est assis par terre, de l’autre il y a une fleur délicate. La composition des deux est bizarre et en même temps attachante: l’homme est placé devant une grande boule bleue et ainsi il est protégé de l’abîme. Par contraste, la fleur est placée devant la boule. On a l’impression que la boule peut écraser la fleur fragile à tout moment.
    Alors, Ricca nous fait réfléchir. Pour quelle raison a-t-il choisi cette composition ? On ne sait pas exactement, il y a plusieurs des interprétations possibles.
    Si on se rapporte au titre du tableau : « La conséquence du choix ». La fleur n’a pas le choix du lieu où elle va grandir ; mais l’homme peut bien choisir ou il va s’asseoir. À mon avis, les deux boules pourraient bien représenter le destin. Donc, la fleur n’a pas de choix et il faut qu’elle se résigne à son sort, mais l’homme, lui peut bien faire des choix et ainsi il peut déterminer son propre sort. C’est l’une des choses qui distinguent les hommes de la nature. Je suppose que l’artiste voulait représenter la différence entre la nature et l’humanité dans la deuxième peinture et insister sur ce choix qui fait son humanité.

    Suang Hoang
    Assistante galeriste

    Les tableaux d'Elvio RICCA sont exposés à la Galerie Art' et Miss jusqu'au 21 septembre ou disponibles en ligne sur : http://art-et-miss.eu/87-ricca-elvio

     

  • Hayat Saidi à la Galerie Art'et Miss - Juin 2014

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    Hayat Saidi est une artiste peintre marocaine créatice des abstractions lumineuses et colorées d’un indéniable pouvoir d’évocation. Ce sont des œuvres qui suggérent en laissant à la fois une libre lecture de la part du spectateur.

     

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    Ses tableaux possèdent un jeu très personnel des surfaces, des couleurs et de la lumière. Ses créations combinent des zones léchées avec d’autres de grande matérialité, grâce à l’application d’abondante matière picturale ou  grâce à l’usage de différents éléments comme la terre. Ses couleurs possèdent aussi une grande richesse.  Nous trouvons des œuvres qui peuvent présenter une division en deux grandes zones bien différenciées de couleurs pures -rouge, bleu ou vert- qui se fusionnent au centre, en créant une troisième zone pleine de nuances et de dégradations. Grâce à toutes ces variétés techniques, la lumière touche de façon très différente les diverses parties des tableaux, en enrichisissant davantage les créations.

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    Malgré l’abstraction de ses œuvres, il y a quelque chose de profond, de spiritualité neutre, quelque chose qui envoloppe et que fait penser à une atmosphère chaleurese qui  transporte dans son Maroc d’origine.

     

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    Les œuvres d’Hayat Saidi seront visibles à la Galerie Art’et Miss jusqu’au 25 juin 2014.

     

    Fátima Gallardo León

  • Les délicates visions d'Elitsa Setchenska - Galerie Art'et Miss, Juin 2014

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    Dans notre exposition Art Abstrait, nous présentons l’œuvre de l’artiste bulgare Elitsa Setchenska. 

    Elitsa Setchenska nous montre un total de huit œuvres de petit format, toutes réalisées à encre de Chine ou aux marqueurs sur papier.

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    Il est difficile de parler sur l’œuvre de cette artiste, puisque ses dessins semblent se transformer et se dévoiler à chaque moment devant nos yeux. Après une première impression de simplicité noire et blanche, c’est tout un monde qui déborde.

    Le petit format de ses dessins contraste avec le contenu. Ce sont des petites fenêtres vers un univers dynamique qui semble être en train de se déployer. Nous pouvons comparer l’image perçue au travers des cadres de ses œuvres, à celle perçue au travers du kaléidoscope, mais ici il ne faut pas le faire tourner pour sentir le mouvement des formes. On se sent émerveillé de voir que derrière un petit orifice il y a tout un univers en expansion.

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    La nature de ses œuvres nous invite à les observer de près pour pouvoir découvrir l’énorme quantité de détails et subtilités cachés derrière la sobriété blanche et noire.

    Elle mélange courbes et contre-courbes avec des formes anguleuses et des petits détails à peine millimétriques pour créer une composition étonnamment cohérente.

     

    Il y a quelque chose d’art-déco, quelque influence du premier cubisme  inspiré par le primitivisme, quelque chose d’architectonique dans la façon de composer… il a donc bien de la personnalité propre de l’artiste, architecte et scénographe, qui a réussi à créer sa propre structure, sa propre scène, son propre univers plastique.    

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    Les œuvres d’Elitsa Setchenska seront visibles à la Galerie Art’et Miss jusqu’au 24 juin.

     

    Fátima Gallardo León   

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